La Jazzitude de "Papa Mutt" Carhaix

36) Portrait of a lady : Marie Noëlle, the vibes Fairy.

noreply@ ("Papa Mutt" Carhaix) — Fri, 21 Nov 2008 11:46:00 +0100

Marie Noëlle (to Joe Locke, to Ed Saindon, to David Friedman, to John Mark Piper she’s just “Marie”) lives in Sainte-Geneviève-des-Bois, a small town to the south of Paris, France. There, “close to nature”, she enjoys a suburban lifestyle, raising her 7-year old boy Florian, performing the mundane task of ordinary life, or sitting in the grass, daisies in her hair, watching her husband Bruno vamp up the petite maison.

Every day she commutes to Paris. There she works as a buyer for a foundation for the blind. Her job is to order from firms around the world, specific products such as talking watches or white sticks, later to be dispatched to institutions for blind people, or sold to private customers. The white sticks, did you know, come from Canada or the Czech Republic, the talking watches from Asia or from the UK, other items are manufactured in Germany, not so many in China, unless perhaps they are all made in China. A good command of English is required for these business transactions held mostly via e-mail, more rarely by phone. Professionally, therefore, Marie Noëlle is a cyber creature. Her job is a lot about sitting in front of a computer, and sending messages around the world.

There’s another side to this coin.

Once in a while, on a Saturday night, having safely tucked Florian in bed and entrusted him to his dad, Marie Noëlle escapes to a local rock joint. There she lets her hair down, grabs a mike, fronts the band and belts it out to them. No one can belt out a hard rock song like Marie. This pic from her Myspace page catches her in the act. Each time her pet drummer Zou aka “headbreaker”, a great big motherhugger who drives trucks and pumps a lot of iron, does a session with Marie Noëlle, he ends up beaten to a pulp, knackered, or as one of my young American friends used to say, “too pooped to poop”. “The broad is dangerous”, says Zou.

A wild artistic vein runs through the quiet Marie Noëlle. A long time ago, perhaps prompted to do so by her longtime friend Norbert Lucarain, one of the best vibes players in the country, she enrolled in a Conservatoire (municipal music school) for a vibraphone course. But she quit the lessons even before she’d gotten a proper start. Vibraphone lessons can be a pain in the ass, can’t they ? Strangely enough, but life is full of mystery, through this mere fleeting contact with the instrument, Marie Noëlle was awakened to a world of intense poetry. Was it the golden majesty of a Century Vibe, the silver finish of an M75, or more probably, the chrome bars of an old Bergerault that caused this, or perhaps the sensual feel of the rattan handles in her hand, or the roundness of the resonators, Marie warmed to the vibraphone immediately. She conceived for it a love which was of a mystical nature, because she sensed, as only women will, that she did not even have to bother learning to play that thing, that in fact if she did, this would only shatter the magic. She caught the vibes like a virus, worse than H5N1. She became addicted. It was the start of a love affair.

Then towards the turn of the century, Marie Noëlle discovered the vibe.net, the vibraphone forum. The vibe.net is open to master players as well as absolute beginners, sympathisers or enthusiasts. When I joined in 2000, in the “semi-beginners” league, I found that I had been preceded by Marie Noëlle, in the “enthusiasts” category. For sheer enthusiasm, you can’t beat Marie Noëlle. Her comments were all over the place, day after day. She knew everybody by name, and loved to just say hello and exchange a few words. As soon as she realised I was a fellow countryman of hers, she dropped me a message, and we’ve been in touch ever since. I stopped using the vibe.net a few years ago, when the administrators changed the design, and so I lost sight of Marie Noëlle for a time. But in May 2007, I started this blog, and after a couple of months I got a commentaire from Marie. Somehow she had managed to learn about Papamutt’s jazzitude, although he had tried his best to keep it a secret. This illustrates the acuteness of her perception. A guy starts a blog at the confines of the civilized world, under a borrowed name, and bingo ! in a matter of weeks Marie Noëlle is au fait with it !

Last August, it was again Marie Noëlle who tipped me off about Tony Miceli’s vibesworkshop, which had just been created.

The vibesworkshop takes the vibe.net concept one giant step further. The site is “by the cats, for the cats”. There’s a forum where, much in vibe.net style, you can vent your feelings and express your views, there’s a personal blog space, a “shout box” where you can blurt out, say hello to your friends etc. But first and foremost, you have access to an ever-growing mass of “resources” in the shape of video and audio lessons by the host Tony Miceli, at once a master player and a warm, relaxed teacher, and tips from the other faculty members who are none other than Joe Locke, John Mark Piper, Patricia Franceschy, and Tjaco Oostjik. Nico is around, as are world-class players David Friedman, Ed Saindon, Mike Pinto and many other guys I’ve never heard about. The vibesworkshop is like Basin street, “the street where the élite always meet”. For someone like yours truly, who had to struggle alone for years to able to learn something, it’s a godsend. Marie Noëlle was on the vibesworkshop from the very first, and her enthusiastic blogs were soon blossoming, as they still are. Continued...

35) Jazz Comedy

noreply@ ("Papa Mutt" Carhaix) — Sun, 09 Nov 2008 09:48:00 +0100

ADOLF'S PARTY

Traduction des sous-titres :

L’officier Nazi. De plus, nous avons des nouvelles inattendues. La camionnette de l’orchestre que vous aviez engagé pour ce soir est tombée en panne ici (il montre la carte).

Hitler. Bon. Il doit bien y avoir un autre orchestre de libre…

L’officier. Mon Führer, nous avons déjà engagé un orchestre de remplacement. Un orchestre de jazz.

Hitler (silence. Il enlève lentement ses lunettes). Que les amateurs de jazz prennent la porte immédiatement…. (Il reste seul face à trois généraux) Qu’est ce que vous avez fait ? Un putain d’orchestre de jazz. Est-ce que j’ai l’air d’un idiot ? Qu’est-ce qui vous a pris ? Pour quelle raison, bordel de merde, aurais-je besoin d’un putain d’orchestre de jazz pour ma surprise-party ? Ils vont sans doute se pointer avec un putain de banjo.

L’officier : Mon Führer, il s’agit d’un orchestre très classieux.

Hitler : Classieux ? Ils jouent du jazz de merde !

L’officier : Ils ont très bonne réputation.

Hitler : Bordel de bordel, un mot de plus et je vous expédie sur le front russe. Tas de crétins. J’avais l’intention de passer une bonne soirée, et pas de voir se trémousser une bande de branleurs en petits gilets et canotiers. Je suis le Führer du IIIème Reich, nom de Dieu, est-ce que vous pensez sérieusement que j’ai envie d’être vu au milieu d’une bande de jazzeux ? Je veux de la mélodie, pas de l’impro. Je veux pouvoir reconnaître l’air. Je veux qu’on me joue les harmos, avec les bons accords. Faites gaffe à vous, tas d’enfoirés, s’ils se pointent avec un sax soprano. Du putain de jazz de merde ! (il songe…) Je veux entendre de la musique qui m’élève, qui me fasse apprécier la vie, qui m’enrichisse l’âme, j’ai envie de m’éclater ! Ça m’a complètement foutu en l’air. Pourquoi n’avez-vous pas engagé une chanteuse, tant qu’à faire ? Du jazz pour ma surprise partie, rien que ça. Quelle humiliation ! Comme canular, ça se pose là. Dites moi que c’est pour rire, bande de demeurés, dites moi que je fais un mauvais rêve. (Derrière la porte, une femme pleure : « T’inquiète pas. Peut-être qu’il trouvera les solos de batterie rigolos)

Dites moi que c’est une erreur. Je n’arrive pas à m’y faire. C’est vraiment dégueulasse de m’avoir fait ce coup-là. Vous auriez dû prendre un imitateur d’Elvis. Ça, ça m’aurait plu. Ça aurait été le pied. N’importe quoi, sauf du jazz. J’aurais préféré une troupe de phacochères dansants plutôt qu’un putain de jazz-band.

Ma soirée est baisée.

PLAY MISTY FOR ME

OSCAR PETERSON/SHREDDED

BUDDY RICH contre ANIMAL (The Muppet Show, 1980)

JERRY LEWIS Typewriter

JERRY LEWIS : CUTE, avec le COUNT BASIE BAND

Le groupe vocal "SIX IN HARMONY" (reprenant l'interprétation des COMEDIAN HARMONISTS en 1936) interprète The Creole love Call de Duke Ellington

ALL GOD'S CHILLUNS GOT RHYTHM

34) JAZZZ ! In action.

noreply@ ("Papa Mutt" Carhaix) — Thu, 23 Oct 2008 11:58:00 +0200

(Photo Ouest-France)

JAZZZ !

Philippe Briand, Laurent Briand, René Goaër, François Ricard,

Sur la scène du Centre Culturel de la Forêt Fouesnant.

Merci aux 250 fans qui se sont dérangés pour venir nous écouter !

Compte-rendu du Journal OUEST-FRANCE (extrait)

Sur trois jours, ce sont près de 2 000 personnes qui sont passées au "Nautile, Espace culturel de la baie », à la Forêt Fouesnant...

Le concert d'ouverture était un concert de jazz. 250 spectateurs se sont régalés à la soirée du "JAZZZ!" quartet. La qualité et la notoriété des artistes n'est sans doute pas étrangère à ce succès. Philippe Briand, batteur et vibraphoniste a joué avec les plus grands noms du jazz, comme Dizzy Gillespie. René Goaër, saxophone et piano, a aussi une renommée internationale, tout comme le contrebassiste Laurent Briand et le batteur François Ricard. Le concert s'est terminé par deux rappels, et cette réussite a comblé le quartet qui par ailleurs regrette de n'être pas plus souvent contacté pour des concerts, et craint de bientôt manquer d'entraînement.

33) JAZZZ !

noreply@ ("Papa Mutt" Carhaix) — Sat, 20 Sep 2008 15:39:00 +0200

Pour fêter son 5^ème anniversaire, le centre culturel de La Forêt Fouesnant (direction Luc Bazet) présente une série de manifestations.

Voir http://www.foret-fouesnant.org/centreculturel/ Pour La Foret Fouesnant (29940), voir Google Earth.

Au nombre de ces manifestations, on remarque un concert du quartette JAZZZ ! réuni par Papamutt Carhaix, l’auteur de ce blog. Note : Papamutt participe à ce quartette sous un nom d’emprunt.

JAZZZ ! est une formation nouvelle, bien que composée de musiciens qui sont de vieux compagnons de route.

Philippe Briand, vibraphone.

René Goaër, alto-sax,

Laurent Briand, contrebasse.

François Ricard, batterie.

Philippe Briand : d’abord batteur, il a l’occasion, au cours d’une carrière de 25 ans, d’accompagner une pléiade de solistes de tous styles au nombre desquels Claude Luter, Bill Coleman, Guy Laffite, Stéphane Grappelli, Pierre Michelot, René Urtreger, Johnny Griffin, Pete King, Eric Le Lann, Ted Curson, Chet Baker, Dizzy Gillespie etc. En 1986 il aborde le vibraphone en autodidacte, et se produit bientôt en duo avec le guitariste Marc Fosset, ainsi qu'en quintette avec Michel Goldberg, Peter Gritz, Spike Heatley, et avec le guitariste anglais Tony Marshall.

René Goaër, saxophone alto : Dès la fin des années 70, alors qu’il encore très jeune, il se fait connaître comme pianiste. Il acquiert une solide expérience en accompagnant André Villéger, Pete King, Louis Stewart, Pierre Michelot, Olivier Peters, Johnny Griffin et des dizaines d’autres solistes de renommée internationale. Au début des annés 80, sans abandonner le piano, il adopte le saxophone ténor. Il part étudier à Boston avec Jerry Bergonzi, puis à New-York avec Walt Weisskopf. A son retour, il entame une deuxième carrière, comme saxophoniste. On le retrouve dans l’orchestre « Sirius » dirigé par Didier Squiban, et dans les diverses formations du contrebassiste Gildas Scouarnec. Récemment, il a adopté le saxophone alto qu’il préfère aujourd’hui.

Laurent Briand : Après avoir tâté de l’accordéon dans son enfance, puis du violon, puis de la guitare et même d’un peu de batterie, il se fixe sur la contrebasse qu’il étudie sérieusement. Adepte du swing, doté d’un tempo solide, il joue en trio avec Marc Fosset et Philippe Briand. Il a participé à l’album « Made in Brittany » du guitariste anglais Tony Marshall. compositeur de talent, il a signé de jolis thèmes.

François Ricard, batterie : Le parisien du groupe. Dès l’âge de 8 ans il choisit de se consacrer à la musique et à la batterie. Il fait ses classes avec Pierre Faix au Centre Culturel Jean Hardouin de Montgeron, avec Patricio Villaroel à ENMD de Yerres et se perfectionne au CIM de Paris où il côtoie un grand nombre de musiciens de jazz français. Dès 1990, sa carrière démarre avec le groupe de rap Soon E MC, qui tourne dans le monde entier pendant 4 ans. Il revient à Paris pour se consacrer uniquement au jazz. Très demandé, il fait partie d’un grand nombre de formations dirigée par Eric le Lann, Luigi Trussardi, Stéphane et Lionel Belmondo, Bobby Watson, Alain Jean-Marie, Gildas Scouarnec, Emmanuel Bex, Christian Escoudé etc. Parallèlement, ses participations à d’autres univers comme la bossa-nova de Tom & Joyce, ou ses rencontres avec la chanteuse sénégalaise Yandé Kodou au Centre Culturel Français de Saint Louis du Sénégal lui permettent d’enrichir son langage musical. Habitué des festivals de jazz, des clubs parisiens ou étrangers comme le Blue Note de Tokyo ou le Jazz Café de Londres. Francois Ricard est un professionnel de grand talent, l’un des batteurs importants du jazz national.

Le quartet JAZZZ ! propose une formule où le vibraphone, cet instrument méconnu mais particulièrement adapté à la musique de jazz remplace le piano. Son répertoire présente des arrangements originaux sur des classiques du répertoire, ainsi que quelques thèmes composés par des membres du groupe.

René GOAER, saxophone alto

Ecouter un concert dans une belle salle, ça reste l'idéal. Pas trop grande, bien équipée, avec sa grande scène, ses éclairages, son excellent matériel de sonorisation, celle de La Forêt Fouesnant est parfaite pour le jazz.

Les musiciens de notre quartette ont fermement l’intention d'y présenter un programme de qualité. René Goaër, Laurent Briand et moi-même habitons à quelques minutes les uns des autres. Il nous est donc facile de nous retrouver pour répéter. Nous avons sélectionné une vingtaine de standards et de classiques du jazz des années 50 et 60 (je ne vais pas vous dire lesquels, pour ne pas déflorer), et ajouté quelques compositions personnelles. L’ensemble est varié, et le groupe, avec le vibraphone remplaçant le traditionnel piano, possède un « son » indéniable. Je pense que vous serez aussi impressionnés par la qualité individuelle de ces musiciens.

Faites le déplacement de La Forêt Fouesnant le 17 octobre. Et comme vous n’avez pas manqué de le remarquer, c’est gratuit !

Philippe Briand (vib), Philippe Dardelle (b), François Ricard (dm)

Freddy the Freeloader. Philippe Briand, vibraphone (Todd Coolman, bass, Steve Davis dms, courtesy Jamey Aebersold)

32) Jazz Voices

noreply@ ("Papa Mutt" Carhaix) — Sun, 24 Aug 2008 14:39:00 +0200

J’ai entendu Roseanna Vitro au club Jazzmania, à New-York, en 1996. Elle chantait en trio, avec simplement Harvey Schwartz à la basse et Bob Moses à la batterie. Je l’avais trouvée formidable. Cette vidéo trouvée sur YouTube me rappelle ce grand moment de jazz.

http://www.roseannavitro.com/

Un autre habitué des clubs New-Yorkais est Jay Leonhart, qui chante « it’s impossible to sing and play the bass », tout en prouvant le contraire !

L’inimitable James Moody a mis des paroles comiques sur son solo de sax ténor sur I’m in the mood for love, et en a fait un tube, repris par Amy Winehouse dans son premier album : Frank.

Grandiose : le flamboyant Kurt Elling chante Easy Living, accompagné par un « orchestra » comme on n’en entend que dans les très grandes métropoles. WOW !

31) Barocco (fugue)

noreply@ ("Papa Mutt" Carhaix) — Tue, 12 Aug 2008 16:21:00 +0200

Bud Powell : Bud on Bach

« Une musique baroque est celle dont l’harmonie est confuse, chargée de modulations et dissonances, le chant dur et peu naturel, l’intonation difficile, et le mouvement contraint. Il y a bien de l’apparence que ce terme vient du « baroco » des logiciens »

Jean-Jacques Rousseau. Dictionnaire de la musique, 1748

En rédigeant cette définition, Jean-Jacques avait évidemment à l’esprit la musique de son époque (1650-1750), illustrée par des compositeurs comme Jean-Baptiste Lully, Marin Marais, François Couperin, Marc Antoine Charpentier, Jean-Philippe Rameau. Si on ne le savait pas, on croirait facilement voir ici une définition du jazz.

1- « l’harmonie chargée de modulations… » : la plupart des standards du répertoire de jazz passent par plusieurs tonalités. All the Things You Are module cinq fois en l’espace de 36 mesures.

2- « et dissonances » : la fameuse « quinte bémol » popularisée par le be-bop, et les autres notes altérées : quinte dièse, neuvième dièse et neuvième bémol etc…qui font encore grincer des dents aujourd’hui. Sans oublier les secondes mineures de Bill Evans.

3- « le chant (=la ligne mélodique) dur » : c’est le cas pour la plupart des thèmes bop, qui sont « durs » et anguleux par choix esthétique, pour rompre avec la période précédente. Même aujourd’hui, ces thèmes paraissent indigestes à la plupart des gens que vous côtoyez dans la vie de tous les jours, et qui confondent « mélodieux » et « mélodique ».

4- « l’intonation difficile » : c'est-à-dire que ces mélodies sont difficiles à chanter, « peu naturelles ». Ceci, encore une fois, est particulièrement vrai des thèmes bop, post-bop et contemporains. Pour aider votre dernier-né à s’endormir, vous ne lui chantez pas Anthropology ou Giant Steps. Leur mouvement (c'est-à-dire leur rythme) est « contraint » : nombre de ces thèmes (par exemple : Evidence, de Thelonious Monk) offrent certaines difficultés de mise en place.

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)

Thelonious Monk (1917-1982)

Soit. Mais écoutez, dans la note précédente, le podcast de Nicholas Watts, qui chante un extrait de Castor et Pollux de Rameau, (acte IV, scène 5) : (Séjours de l’éternelle paix)« Ne calmerez-vous point mon âme impatiente ». Essayez donc de chanter ça, rien que pour voir… C’est tout aussi difficile qu’un thème de Monk. Pour ce qui est de l’étymologie, en revanche, Jean-Jacques avait tout faux. Le terme « baroque » vient du portugais « barroco », qui désigne une perle aux contours irréguliers. C’était un terme de joaillerie. Était « baroque » tout ce qui était excessivement décoré, exubérant, surchargé. A l’époque, « Baroque » était un terme péjoratif, tout comme peut l’être aujourd’hui, pour certaines personnes, le mot « jazz ».

« En musique », écrit Martial Morand, professeur de clavecin au conservatoire de Lyon, « c’est l’époque où l’on compose essentiellement à partir d’une trame harmonique. La partition n’est pas conçue comme un produit fini ; le compositeur incite l’interprète à poursuivre sa création : instrumentation, réalisation de la basse chiffrée, ornementation. » Dans le jazz aussi, tout est tiré de « trames harmoniques » : ce sont les fameuses « grilles » que les musiciens d’autrefois notaient pieusement dans d’antiques carnets, et que l’on trouve aujourd’hui dans les Beaudoin, ou dans les nombreux « Real Books » américains. A partir d’une notation du type Cmaj7 /E7#5/ FMaj7/ Bmb5, E7 / Am7, D7 / CMaj7 / Dm7, G7 /, le pianiste de jazz expérimenté 1) reconnaît tout de suite qu’il a affaire à la trame harmonique de On The Sunny Side Of The Street, et 2) trouve instantanément la façon de réaliser ces accords : elle pourra varier selon le style (selon qu’on joue Sunny Side dans le style New Orleans, dans le style bop, dans un style « latin » etc.) et selon le discours du soliste qui, au même moment, invente des phrases sur cet enchaînement d’accords. A l’époque baroque, le claveciniste ne lisait pas une « grille », mais utilisait un système qui en est bien proche. Sous la ligne mélodique, il trouvait une note surmontée d’un chiffre arabe. Ce chiffre figurait le « renversement » à utiliser. Dans ce système, la notation « 6 » indique un intervalle de sixte, et non pas que la « sixte » fait partie de l’accord. Ce système de la basse chiffrée n’est donc pas exactement semblable à la notation « américaine » sous forme de symboles d’accords, mais elle en est très proche. A tel point qu’une méthode de jazz célèbre, celle de John Mehegan, est entièrement rédigée en basse chiffrée (voir le tome I : « Jazz Improvisation : Rythmic and Tonal Principles). Mais la notation proposée par Mehegan, pourtant claire et pratique, n’est jamais entrée dans les mœurs… Il reste à parler de l’ornementation. A l’époque baroque, on ornementait à outrance : cela s’explique en partie par la nécessité. Le clavecin est un instrument sans « sustain ». Le seul moyen de faire durer une note au clavecin est de la « triller » (alternance rapide entre la note et celle située au-dessus, ou au-dessous) ou de l’enrichir au moyen de tout un attirail de figures de style : le mordant, le tremblement, la broderie, le grupetto, l’appogiature, l’échappé etc…. qui ne modifient pas l’idée de base de la phrase musicale, mais qui lui donnent de la substance, de l’épaisseur.

Les baroques improvisaient donc énormément. L’aptitude à improviser faisait partie du bagage obligatoire des musiciens des XVIIème et XVIIIème siècles. Beaucoup d’oeuvres de clavecin, quand je les écoute, me donnent l’impression d’être des improvisations figées. La ressemblance avec le jazz me paraît frappante. Comme le jazz, la musique baroque est jouée « dans le tempo », le phrasé « avance » comme celui du jazz, beaucoup des formules harmoniques sont les mêmes.

Voyons encore ce que dit Martial Morand : « c’est comme si le compositeur initiait une spirale créative entraînant l’interprète, l’obligeant à entrer dans sa pensée avec des partitions volontairement incomplètes (basse chiffrée, préludes non mesurés…) avant de l’offrir à l’auditoire comme une oeuvre parfaitement actuelle, puisqu’elle est en partie créée par celui qui la joue ». Dans le jazz, c’est la même chose « en pire », oserais-je dire, puisque ici, il y a le devoir de trouver un discours entièrement nouveau et original à partir d’une indication minimale : une ligne mélodique simple, sous-tendue par une suite d’accords : « a chord progression » dit-on en anglais, ce qui indique mieux qu’il s’agit « d’aller quelque part », de tendre vers un but. Tous les bons solos de jazz possèdent cette caractéristique du mouvement vers l’avant » (forward motion » : tout ce qui est joué sur do mineur « va vers » fa septième, tout ce qui est joué sur fa septième « va » se résoudre sur si bémol majeur.)

Les musiciens baroques improvisaient les préludes, comme les musiciens de jazz improvisent les « intros » : j’ai encore dans l’oreille une introduction de près de dix minutes, absolument sidérante, improvisée au sax ténor par Lou Tabackin, un soir au club « Visiones » de New-York... Les baroques improvisaient aussi les cadences de fin, ce que nous appelons les « codas ». C’est à ce moment qu’un brillant violoniste, qu’un flûtiste, un hautboïste renommé, pouvait donner toute sa mesure, et cultiver sa réputation. L’orchestre s’arrêtait, et seul devant l’Eternel, il exécutait un numéro de haute voltige, tout improvisé. Et les dames se pâmaient.

Les grands musiciens de jazz sont aussi passés maîtres dans ce genre d’exercice. Je vous livre un extrait de ma collection personnelle. C’est un extrait d’un concert à la maison de la radio en mars 1984.

Reprise du thème de Old Folks + coda jouée par le saxophoniste anglais Pete King.

Pete King. Clohars-Fouesnant. Juillet 1984.

Avant Charlie Parker, soit de 1915 à 1939, le « jazz » est un folklore américain qui fait feu de tout bois : il emprunte à l’héritage africain (le blues, les spirituals, les gospel songs), à la musique militaire, à la musique celtique, à la musique juive, à la musique italienne, sans oublier, (dixit Jelly Roll Morton), « a touch of spanish » / une pointe d’espagnol). Les musiciens sont dans l’ensemble peu instruits : pour « jouer swing » il n’est pas indispensable d’avoir fait le conservatoire. Au début des années 40, Parker abandonne le « style swing », et inaugure un phrasé en croches et doubles croches régulières. Ce phrasé devient la marque de fabrique d’une musique révolutionnaire : le « Be Bop ». La musique de Parker est inspirée, poétique, mais sa démarche est rigoureuse, presque scientifique (voir ce qu’il en dit lui-même, note 28 : Charlie Parker interviewé par Paul Desmond). Soucieux de faire entendre l’harmonie avec exactitude, il place les notes importantes des accords sur les temps 1 et 3 de la mesure à 4/4. Ce faisant, il est naturellement amené à introduire des chromatismes, des ornementations qui évoquent la musique baroque. Comparez les versions A et B du thème de Confirmation (voir sous « documents »). La version B est un relevé que j’ai fait d’après un enregistrement de Parker. On voit immédiatement les ornementations « baroques » qu’il ajoute à son propre thème. Les boppers, plus que leurs prédécesseurs, étudient leur instrument auprès de professeurs classiques (Miles vient à New York pour suivre les cours de la Juilliard School, John Lewis ceux de la Manhattan School of Music), et s’intéressent à la théorie musicale. Bud Powell a étudié Bach et s’en inspire, comme par exemple dans ces deux extraits de Bud on Bach (voir plus haut) et de Tempus Fugue it :

Les compositions de Bud, comme Parisian Thoroughfare et Hallucinations, sonnent un peu comme des pièces pour clavecin.

Ce mouvement du jazz en direction de la musique classique européenne s’intensifie au tournant des années 50. Il aboutira au Third Stream (Troisième Courant) imaginé par John Lewis et Gunther Schuller dans le but d’unir les deux idiomes. Déjà en 1947, John Lewis écrit Toccata for Trumpet pour Dizzy Gillespie. En 1952, il fonde le Modern Jazz Quartet, une petite formation de jazz de chambre, et compose pour lui des « pièces » de facture classique, aux noms évocateurs : Pyramid, Romaine, Vendôme, ou le célèbre Django. Le MJQ est resté actif de 1952 à 1974, mais s’est ensuite reformé occasionnellement.

Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath, Connie Kay lors de retrouvailles en 1987 : DJANGO

En 1951, sur la côte Ouest, le Dave Brubeck quartet explore des voies similaires. Le pianiste Dave Brubeck, de formation classique (on le présente toujours comme « un élève de Darius Milhaud », voire de Schönberg) compose pour ce groupe un répertoire original très influencé par la musique classique. Soit dit en passant, le plus « classique » de l’équipe est sans doute le batteur Joe Morello, ex-enfant prodige du violon, qui à l’âge de dix ans jouait le concerto pour violon de Mendelsohn en soliste avec Boston Symphony orchestra. On ne s’étonnera plus que Paul Desmond le surnommât « le Maria Callas de la batterie ». Blue Rondo à la Turk, l’un des « tubes » du Brubeck Quartet (autrefois, il était dans tous les juke-box, à côté de Dick Rivers et de Johnny Halliday), est une « turquerie » que Molière, s’il l’avait entendue, aurait peut-être intégrée au Bourgeois Gentilhomme :

Le saxophoniste Paul Desmond, qui donne sa couleur au quartet de Brubeck, est à mon sens un musicien très sous-estimé. Si je devais séjourner sur une île déserte, j’emporterais certainement dans mes bagages cette splendide version de These Foolish Things, une pure merveille de mélodie, très inspirée par la musique du XVIIIème siècle. Plus « cool » que ça, tu meurs…

Paul Desmond, Dave Brubeck, Joe Morello, Gene Wright. Rome, 1959.

"Avant d'être connu, j'étais déjà démodé" (Paul Desmond)

Il y eut aussi le Gerry Mulligan Quartet, d’abord avec Chet Baker, puis avec Bob Brookmeyer et avec Art Farmer. Dans son fameux « quartet sans piano », Mulligan utilise savamment le contrepoint pour faire entendre l’harmonie. Ce procédé ne manque pas de donner à cette formation une couleur « classique » européenne :

Gerry Mulligan, Bob Brookmeyer, Bill Crow, Dave Bailey : Line For Lyons

Dans ces formations, chez ces musiciens, la musique classique européenne n’est qu’une influence. Leur héritage demeure le blues, le répertoire des standards, le swing. D’autres ont exploité le filon baroque jusqu’à en faire un « gimmick », diront les mauvaises langues. En France, nous avons eu les Swingle Singers, et surtout le trio PLAY BACH de Jacques Loussier, qui avec Benoît Dunoyer de Segonzac et André Arpino, connaît aujourd’hui une seconde carrière. L’idée d’insuffler un peu de swing à la musique de Bach en lui adjoignant une basse et une batterie faisait hurler les puristes, autrefois. Quand j’étais plus jeune, j’écoutais ça d’une oreille distraite, préférant les « vrais » trios de jazz à ce qui me semblait n’être qu’un exercice de style. Mais aujourd’hui j’ai changé d’avis. Parce que c’est tellement bien fait que j’ai du mal à y résister. Et André Arpino est un très grand batteur.